«EXPRÉSATE: CÓMO SE CREARON LOS 20 MEJORES VIDEOS MUSICALES DE MADONNA»

LOS DIRECTORES QUE TRABAJARON EN LA ERA MTV CUENTAN SUS HISTORIAS.

25 FEBRERO 2015
por Christopher R. Weingarten , Maura Johnston , Jason Newman , Bilge Ebiri

Desde que en 1983 irrumpió en MTV con el poético tema lo-fi «Burning Up», los videos musicales de Madonna han pasado más de 20 años generando conversaciones sobre moda, feminismo, sexo, religión y lo que se puede o no mostrar en televisión. Para ayudarla a hacer realidad estos 67 clips (una de las visiones que más rápidamente han cambiado en la historia del pop), se asoció con algunos de los artistas más famosos del video y la fotografía, entre ellos David Fincher, Jean-Baptiste Mondino, Herb Ritts, Mark Romanek, Chris Cunningham, Stéphane Sednaoui, Jonas Åkerlund, Luc Besson y más.

«Madonna era la que había que conseguir», dice Michael Hausmann, director de sus clips de mediados de los noventa para «Take a Bow» y «You’ll See». «Ese era el vídeo que más tiempo se emitiría. En cierto modo, era más importante que estrenar una película. Lo estaba viendo más gente, eso seguro».

Para celebrar a nuestra estrella de portada, nos reunimos con muchos de los directores detrás de algunas de las imágenes más icónicas (y controvertidas) de la historia de la música.

20 – «HUNG UP» (2005)

Semanas antes de que Madonna tuviera previsto rodar el vídeo del primer single de «Confessions on a Dancefloor» , inspirado en los temas de ABBA, sufrió un accidente mientras montaba a caballo que le provocó la rotura de ocho huesos. Esto no le impidió convertir su parte del vídeo de «Hung Up» en un homenaje a John Travolta. Con un leotardo rosa de manga larga, bailó con entusiasmo por un estudio de ensayo en escenas seleccionadas de un rodaje de tres horas en el que tuvo que hacer pausas con frecuencia porque le dolía. «Era una auténtica soldado», dijo el director Jonah Renck (un sustituto de último momento de David LaChapelle) a MTV News en 2006. «¡Se cayó de un caballo!». El resto del vídeo rinde homenaje a la idea de la música como fuerza unificadora, con empleados de restaurantes, feligreses de paradas de autobús y entusiastas del parkour bailando al ritmo de la sinuosa pista. «Me gustó que no tuviéramos tiempo para pensar demasiado en esto y ser demasiado astutos», dijo Renck. «Me gusta estar al margen y no saber qué estamos haciendo ni por qué. Simplemente lidiar con el caos, ¿sabes?»

19 – «FEVER» (1993)

«La idea surgió de que yo quería, básicamente, quemarla», dice el director Stéphane Sednaoui. «Mi concepto era que ella era una especie de Juana de Arco. La quería como una santa provocadora, alguien que habla y dice la verdad, y está dispuesta a arder por ello. Recuerdo que el gran jefe de Maverick —[Madonna] era la gran jefa, pero tenía a alguien más con ella— estaba muy preocupado de que la quemara. Pensó que era una imagen muy negativa para ella». Aunque Madonna no se prende fuego en el clip («¿estaba más bien… incandescente?», dice Sednaoui), después de dos días de rodaje en Miami, tuvo que pasar por un reto de posproducción alucinógena y de alto contraste por parte del director de «Give it Away» de los Chili Peppers y «Mysterious Ways» de U2. El clip —lleno de zooms vertiginosos— estalla de color, desde su peluca roja hasta su vestido dorado, pasando por el hecho de que todo su cuerpo se pinte de plata.

Stéphane Sednaoui, director: «Creo que fue la primera vez que filmó frente a una pantalla azul. Pasamos todo el día allí. Ella puede decir: ‘Bueno, ya sabes que me voy a las 7 y ya está’. Pero no me presionó en absoluto; me dijo: ‘Dios mío, es tan joven y está tan lleno de energía’. Fue muy, muy dulce conmigo. Me gusta la imagen plateada de ella. Creo que quería hacer algo muy ‘clubero’, la mezcla era muy ‘clubera’. Solía trabajar mucho para la revista ‘The Face’ y tengo esta imagen de ella de ser una artista muy de ‘cultura pop’. Y creo que pensaron: ‘OK, Stéphane sería perfecto para hacer algo que no sea la Madonna que conocemos, sino otro tipo de Madonna; más pop, más disco, más club’… Así que creo que por eso fuimos tan lejos, como… OK, vamos a pintar».

18 – «MUSIC» (2000)

El comediante Sacha Baron Cohen estaba empezando a dar que hablar como el fanático del hip-hop británico Ali G, cuando Madonna lo eligió para protagonizar el videoclip de «Music». Pero cuando ella lo llamó inicialmente, él no podía creer lo que estaba oyendo: en una entrevista fuera de personaje con Howard Stern, recordó que pensó que Madonna era en realidad una imitadora muy convincente, y que le llevó unos 10 minutos darse cuenta de con quién estaba hablando por teléfono. «Madonna lo adora», dijo la representante Carissa Howard al «Daily Record» en el momento del lanzamiento del clip. «Es un encanto. Ella todavía no puede parar de reír. Vio la cinta y pensó que era brillante, el Peter Sellers de su generación». El videoclip de «Music» se filmó en abril de 2000, cuando Madonna estaba embarazada de su hijo Rocco. El producto resultante del director Jonas Åkerlund evita ese hecho gracias a su ambientación en la parte trasera de una limusina y a cortes rápidos, aunque el clip hace un guiño a la condición de su estrella al final, cuando Madonna hace alarde de un gran collar que dice «Mami».

Jonas Åkerlund, director: «El tema tenía diálogos y cosas que los videos musicales no solían tener en ese entonces. Queríamos tener un comediante y Madonna era muy buena amiga de Chris Rock y algunos de estos otros grandes comediantes de aquí. Pero acababa de llamar mi atención Sacha Baron Cohen, com el personaje de Ali G, de Londres. Y le dije: ‘Por favor, tienes que ver a este tipo. Es increíble’. Y nadie en Estados Unidos había oído hablar de él. De hecho, terminaron conociéndose, lo cual fue genial porque eso de alguna manera convenció al instante… Ella estaba bastante embarazada. No pensé que fuera un problema, como: ‘¡Qué genial! Salir de fiesta y estar embarazad’. Pensé que era genial. Pero, por supuesto, ella quería taparlo… ¡Por eso teníamos ese gran y bonito tapado! Se lo dejó puesto y luego hubo muchos primeros planos de su cara, ¿sabes?»

«Recuerdo una cosa, tuvimos una gran discusión el día del rodaje: ¿Sombrero de fieltro o sombrero de vaquero? ¿Sombrero de fieltro o sombrero de vaquero?. Una y otra vez, una y otra vez. Creo que incluso rodamos un par de escenas con un sombrero de fieltro. Pienso en ello cada vez que voy a un espectáculo de Madonna, hasta el día de hoy, cuando veo a toda la gente con sombreros de vaquero. Pienso en ese momento_ ¡Eso podría haber sido un sombrero de fieltro, tío!… Cuando estamos dentro de la limusina, todo es pantalla verde. La limusina real que teníamos, la dorada, la grande… era tan cutre que no tenía ningún interior… estaba toda hecha un desastre. Pero la escena en la que ella está con sus amigas, de fiesta, la filmamos en el escenario aquí en Los Ángeles. De hecho, la filmamos en el estudio de Charlie Chaplin, que está justo al otro lado de la calle del… club de striptease. ¡Fue muy conveniente! ¡Simplemente cruzamos la calle para hacer la escena de striptease!… Soy un poco conocido por mis clubes de striptease. [ Risas ] Creo que fue [idea mía]. Pero, quiero decir, ¿qué es una noche de fiesta sin un club de striptease? No lo diría ahora, pero en ese entonces, pensé que era [una] parte importante de la noche».

17 – «FROZEN» (1998)

El gélido vídeo del primer sencillo de «Ray Of Light» fue dirigido por Chris Cunningham, cuyo trabajo en el espeluznante clip de «Come To Daddy» de Aphex Twin llamó la atención de Madonna. «Estábamos pensando en rodarlo en Islandia», dijo Madonna a MTV en 1998. «Pero luego pensé: ‘¿Sabes qué? Voy a congelarme. Voy a ser miserable, me estaré quejando todo el día, me arrepentiré de haber elegido un lugar frío. Así que dije: ‘Hagámoslo en el desierto, será cálido'». Sin embargo, el clima no cooperó: «Pero luego llegamos allí y hacía como 20 grados bajo cero, hacía un frío terrible y yo estaba descalza. Estuve descalza durante todo el vídeo, y luego empezó a llover a cántaros y todos se pusieron muy enfermos, y en realidad resultó ser una experiencia realmente miserable». Cunningham también se sintió frustrado por la experiencia; en un principio, quería que el vídeo fuera mucho más elaborado en cuanto a efectos. «El tratamiento original era, por ejemplo, pilas enormes de cuerpos en el desierto. Todas estas esculturas figurativas formadas por cuerpos que eran todas múltiples Madonnas», dijo en el libro que acompaña a su DVD «Director’s Label». «Todas iban a dividirse y romperse y transformarse en cuervos y luego en perros. Era sólo un vídeo de actuación, pero uno muy elaborado en el que ella, su ropa y cualquier forma que saliera de su ropa«. A pesar de las frustraciones, «Frozen» resultó visualmente impresionante: Madonna vestida de negro, con mehndi cubriendo sus manos, cambiando de forma contra un cuadro desértico.

16 – «BURNING UP» (1983)

Steve Barron fue uno de los directores de videos musicales más solicitados de 1983, después de dirigir «Billie Jean» de Michael Jackson, «Electric Avenue» de Eddy Grant y «Africa» de Toto. Madonna tenía un sencillo, «Everybody», a su nombre, que no llegó a aparecer en la lista Hot 100, aunque Warner Bros. sabía reconocer a una superestrella cuando la tenía. Barron prefería quedarse de vacaciones en lugar de reunirse con la cantante prácticamente desconocida para hablar de su última canción, «Burning Up», un tema que, según él, «no me decía nada». «Si apareciera algo más pop, ni siquiera sabría qué hacer», dice el director, que recientemente publicó «Egg n Chips & Billie Jean», sus memorias de la era del video. «Sería todo sobre pop, y a mí no me interesaba el pop». No obstante, su video es un gran testimonio de la era del «todo vale» de los primeros tiempos de MTV, yuxtaponiendo imágenes dispares de bustos iluminados y autos circulando sobre el agua con Madonna retorciéndose en medio de la carretera. Al final, por supuesto, ella toma el control del volante.

Steve Barron, director: «Recibí una llamada de Simon [Fields] en Los Ángeles y me dijo que había un video que hacer con un presupuesto razonable y que sería muy importante. Estaba de vacaciones y no quería involucrarme en nada en ese momento. Pero [Madonna] estaba muy entusiasmada con el video de ‘Billie Jean’ y finalmente acepté a regañadientes. Había conseguido la canción y dije que no sabía qué hacer con ella, porque no tenía la atmósfera que siempre busco en una canción».

«El papel decía ‘suite del ático’, así que pensé que era rica o que tenía una familia rica. Cuando se abrieron las puertas [en el piso superior de su edificio], había unas escaleras desmoronadas y un plato de papel que decía ‘suite del ático’ con una flecha que apuntaba hacia las escaleras pegada con cinta adhesiva a una pared agrietada. La música sonaba a todo volumen en ese piso superior; estaba tan fuerte que grité: «¡Hola!» y volví a gritar un par de veces más. Abrí una puerta en el pasillo y allí estaba ella, desnuda salvo por un par de bragas, en el suelo haciendo ejercicios frente a un altavoz y un amplificador enormes. Ese era el único mobiliario del lugar en realidad. Parecía muy segura de sí misma».

«Filmamos durante dos noches en Los Ángeles. Básicamente terminé haciendo un montón de ideas de mi libro de ideas en lugar de las de la canción, principalmente porque no me conecté demasiado con ella. Fue un video un poco confuso. Ella confió en mí, definitivamente. Me lo entregó, lo que probablemente no debería haber hecho en retrospectiva. Pero obviamente quería tener mucho control sobre cómo se veía y cómo estaba vestida. Su vestido era lo más importante de lo que quería hablar».

«Estábamos haciendo tomas de ella de noche, tumbada en un bote mientras cantaba. Teníamos una grúa de siete toneladas que se extendía sobre el lago con una cámara, yo y un operador. Estaba haciendo los arreglos para pasar justo por encima de ella para que pudiéramos verla directamente hacia abajo. El bote estaba anclado en posición y la base de la grúa estaba inclinada sobre una pequeña rampa con ruedas enormes. Yo estaba pidiendo: ‘Salgamos justo sobre los ojos’ y estábamos a unos 15 pies por encima de Madonna. Miré hacia atrás a la rampa y las dos ruedas traseras se habían levantado aproximadamente un pie y medio. Nadie se había dado cuenta. Miré hacia atrás y le grité al operador de la grúa que se detuviera. La cosa se tambaleó; simplemente cayó hacia atrás y hacia atrás, y rápidamente saltó al interruptor y comenzó a empujarnos hacia atrás, pero no se movió muy rápido porque sentías que si hacías cualquier tipo de movimiento, habría derribado esa grúa. Estábamos justo en el punto medio de equilibrio y habríamos caído sobre ella. Ella habría estado 100 por ciento muerta. Estuvo muy cerca y nunca se lo dije esa noche porque no quería asustarla. Habríamos estado en un hospital durante seis meses y ella habría muerto. Definitivamente».

15 – «HUMAN NATURE» (!995)

«Cuando llamé por primera vez a [Jean-Baptiste] Mondino y le dije que quería hacer el video, le dije que quería que estuviera más orientado al baile que las cosas que había hecho antes», dijo Madonna. «Mondino encontró este libro de este ilustrador llamado [Eric] Stanton que hace dibujos sadomasoquistas y cosas así, pero no queríamos ir directamente al sadomasoquismo; queríamos que fuera más sobre burlarnos de eso». Después de media década de trabajo cargado sexualmente (el video prohibido «Justify My Love», el libro explícito «Sex», el thriller «Body of Evidence», el álbum completo «Erotica»), Madonna y Mondino hicieron una declaración simple («es la naturaleza humana») con un guiño, una sonrisa y algo de coreografía. Vestida con ropa de bondage, Madonna se ríe, hace muecas y disciplina a su chihuahua con una fusta en un video que es algo así como 50 sombras de Busby Berkeley. «La canción básicamente trata de decir que no me encasillen, que no me encasillen, que no me digan lo que puedo o no puedo decir. Se trata de romper con las ataduras», dijo. «Así que ese es básicamente el objetivo del disfraz».

Jean-Baptiste Mondino, director: «Todo lo que sé es que mi principal problema es que no me gustan los vídeos en los que alguien baila, en los que la cámara se mueve mucho. Soy más bien un tipo de la vieja escuela, clásico, porque recuerdo la mayoría de los vídeos que habías grabado con la grúa, algo de Steadicam, más algo de panorámica. Así que tienes unas cinco cámaras diferentes grabando una actuación, y después editan como locos. Te da mucha libertad, pero me siento muy frustrado porque me gusta ver a alguien bailando. Odio cuando hay demasiada edición. Me gusta la estabilidad de la actuación porque así puedes disfrutar realmente del movimiento del cuerpo. Se ve la habilidad».

«Me gusta encoger el escenario lo máximo que puedo porque puedo agarrarla. Si no, todo el mundo corre de un lado a otro y no soy bueno con eso. Así que se me ocurrieron las cajas y sabía que con ellas tenía que hacer algo bastante inesperado porque no hay mucho escenario en el que bailar. Así que hay algo hermoso en ellas y parecían abejas o algo así. Y el resto era cómo crear algún tipo de coreografía y algunas imágenes gráficas con los atuendos de S&M, pero con humor. Entonces ella tiene un perrito y tiene algunos momentos divertidos en los que se deja caer, hay algunos momentos al estilo Charlie Chaplin. Porque S&M es un juego, ¿sabes? Es oscuro, parece oscuro, pero creo que la gente se divierte. Cuando usas látex así, es mejor que te diviertas. Si no, dejas de usarlo para el sexo y te conviertes en un buceador, ¿sabes?».

14 – «BEDTIME STORY» (1995)

El origen de este clip surgió cuando Madonna se acercó al director Mark Romanek para que se encargara del clip de la canción erótica «Bad Girl». Cuando se conocieron, Madonna trajo una única obra de arte para inspirarse. «Era una pintura muy surrealista, oscura, de color ámbar, algo perturbadora, y yo no conocía a Madonna, así que me sorprendió mucho que ese fuera su gusto artístico», recordó Romanek en su DVD «Director’s Label«. Madonna finalmente contrató a su colaborador habitual David Fincher para que dirigiera el clip de «Bad Girl», pero cuando Romanek escuchó la vibrante «Bedtime Story» escrita por Björk, supo que había encontrado un vehículo de video para mostrar lo que él llamaba «surrealismo pictórico». Romanek investigó la historia de las surrealistas femeninas y el resultado final, que rindió un homenaje particular a las pintoras Carrington y Remedios Varo, se lanzó con una llamativa fiesta de pijamas en el «Webster Hall» de Nueva York en la primavera de 1995 y se colocó en los archivos del «Museo de Arte Moderno». Ese gran lanzamiento estuvo a la altura de su presupuesto, gracias a los elaborados efectos visuales que lo salpicaron todo. «Bedtime Story» costó unos 5 millones de dólares en 1995 y sigue siendo una de las propuestas más caras del género.

13 – «OH FATHER» (1989)

Hay que respetar un vídeo que empieza con un guiño a «Ciudadano Kane» y se vuelve más ambicioso a partir de ahí. Trabajando por segunda vez con el director David Fincher, Madonna se esforzó mucho para esta mini-epopeya sobre la muerte de su madre, su problemática relación con su padre y su tempestuoso matrimonio con Sean Penn. «Es mi trabajo más autobiográfico, con un poco de drama», le diría a «Cosmopolitan» y añadió: «Es aburrido ser completamente autobiográfico». «Oh Father» ofrece algunas de las imágenes más evocadoras y perturbadoras de toda la obra de Madonna, entre ellas la imagen de una niña que se acerca al ataúd de su madre y descubre que los labios de la mujer muerta han sido cosidos, lo que, según se informa, proviene de los recuerdos de la cantante del funeral de su propia madre.

La canción y el vídeo eran muy personales para Madonna, pero, curiosamente, no parecía que fuera idea suya lanzarla como single. “Había convencido a Madonna de que lanzara ‘Oh Father’ como single e hicimos este vídeo y quedamos muy contentos con él, pero nadie lo vio nunca porque la canción no fue un éxito”, dijo Fincher a «The Guardian». “Entonces ella volvió y me dijo: ‘Me arruinaste la vida. Querías hacer este video para la canción y a nadie le gustó la canción y yo te defendí y ahora tengo que hacer un video para el martes’. Y yo le dije: ‘¿Cómo se llama la canción?’ Y ella dijo: ‘Vogue’”.

12 – «JUSTIFY MY LOVE» (1990)

«Cuando hice mi video de ‘Vogue’… llevo un vestido transparente y se pueden ver claramente mis pechos», dijo Madonna al programa «Nightline» de ABC en 1990. «Ahora, [MTV] me dijo que querían que lo quitara, pero dije que no lo haría y lo pusieron de todos modos. Así que pensé que una vez más iba a poder romper un poco las reglas». Definitivamente estaba equivocada. El clip dirigido por Jean-Baptiste Mondino para «Justify My Love» jugaba con el sadomasoquismo, el sexo en grupo e incluso algunos pechos al descubierto en un atuendo que recordaba a la película de explotación nazi «El portero de noche», pero todo filmado con un hermoso, vaporoso y onírico ambiente de cine de arte europeo en blanco y negro. «Respetamos su trabajo como artista y creemos que hace grandes videos», dijeron los ejecutivos de MTV en una declaración sobre el clip. «Este no es para nosotros». La ingeniosa Madonna convirtió la controversia en el «video single» más vendido de todos los tiempos. «Es una mujer muy inteligente y dijo que nada podría detenerlo», dice Mondino. «Recuerdo que en Tower Records había montones de vídeos a la venta. Así que incluso ganó dinero con ellos, así que es genial».

Jean-Baptiste Mondino, director: «Ese vídeo era muy especial. La canción era muy, muy progresiva, muy inusual. Fue Lenny Kravitz quien la escribió, cantaba, pero casi hablaba, y tenía ese ritmo extraño. No se podía bailar con ella. Todo era un susurro, parecía más una experiencia. Nadie cogería una canción como ésta y trataría de convertirla en un éxito, ¿no crees? Así que me obliga, o me seduce, en ese sentido, a ser tan valiente como lo es la canción».

«De hecho, lo que hice con ese video fue una experiencia. La idea era encerrarnos en un hotel durante tres días y dos noches, sin reglas. Alquilamos todo el piso superior del hotel. Ya sabes, normalmente cuando haces un rodaje, tienes un horario… Así que no teníamos nada de eso. Estas son las habitaciones en las que dormíamos, en las que vivíamos. Tal vez 15 habitaciones. Una habitación era la sala de maquillaje, la otra era el vestuario. Nadie podía salir. Había mesas con comida y cuando la gente se moría de hambre, comía. No había reglas: teníamos alcohol, podíamos fumar».

«No tenía ningún concepto en absoluto, excepto la idea de que ella llegaba al hotel cansada, rota; y cuando iba a salir del hotel, estaba llena de vida, llena de energía, llena de todo. Fue una experiencia muy extraña; muy interesante. Por ejemplo, le dijimos al director de fotografía: no vamos a utilizar nada como lo que usamos habitualmente cuando filmamos… Fue muy extraño porque no sabíamos cuándo estábamos haciendo la película o cuándo era real, ¿sabes? Todo estaba mezclado. La última mañana cuando me desperté y tuve que volver a casa, me sentí muy extraño en la acera. Dije: ¿Tengo que ir a casa o no?. Fue la primera vez en mi vida que no sabía qué hacer, porque tuve como un sueño, no era un rodaje. Se podía ver que algunas de las escenas olían a real. Hay algo en eso. Las cosas simplemente estaban sucediendo».

«Cuando eres libre así, no te vuelves salvaje, sino incluso más amable. Si vas a un club de sexo, donde la gente tiene sexo, verás menos tensión que si vas a un club normal. Hay menos frustración. Así que era muy tranquilo, muy amable, todos éramos muy dulces unos con otros… No era como, ‘Madonna tiene un cierto tratamiento’ donde no podías hablar con ella. Ella se sentía muy cómoda con la gente alrededor. Hablábamos, charlábamos, reíamos, tocábamos música, filmábamos y cuando la gente estaba cansada se iba a la cama. Eso es todo… Tal vez haya más historia detrás de escena que contar cuando ves un video normal. Sinceramente, me sorprendió que ese video fuera tan impactante porque no vemos nada: no vemos vello púbico, casi no vemos tetas, no hacen nada malo. Todos estamos aquí en la Tierra porque nuestros padres tienen sexo, ¿verdad? Así que no lo entiendo. Quiero decir, el porno para mí es cuando la gente se mata entre sí. Vas a ver una película, vemos sangre por todas partes, pero nunca vemos una polla o un par de tetas. Estamos aquí porque la gente folla, así que deberíamos estar orgullosos de la maldita cosa».

11 – «MATERIAL GIRL» (1985)

«Marilyn se convirtió en algo no humano en cierto modo, y puedo identificarme con eso», dijo Madonna. «Su sexualidad era algo con lo que todos estaban obsesionados y con lo que puedo identificarme. Y había ciertas cosas sobre su vulnerabilidad que me intrigaban y me atraían». Este homenaje a la película de Marilyn Monroe de 1953 «Los caballeros las prefieren rubias» probablemente terminó siendo homenajeado incluso más que el original: la reciente interpretación de Taylor Swift de «Shake it Off» en los «MTV Video Music Awards» de 2014 puede haber sido más Madge que Norma Jean. La directora Mary Lambert dice de Swift: «Creo que es increíble y me sentí halagada». Aunque Madonna pronto se aventuraría en películas como «Vision Quest», «Buscando desesperadamente a Susan» y «¿Quién es esa chica?», «Material Girl» se filmó como una película independiente con un video musical en su núcleo: los exteriores del backlot de Hollywood luciendo cinematográficos, los interiores del «escenario» brillantes y divertidos. Su grupo de bailarines vestidos de esmoquin recibió su parte de cachetadas y caídas coreografiadas ante la cámara, pero nadie resultó herido. «Y de todos modos«, dice Lambert, «estaban todos tan enamorados de Madonna que no habrían sentido nada».

Mary Lambert, directora: «Siempre me ha interesado mucho Marilyn Monroe, su vida y su personalidad. Madonna y yo compartíamos esa fascinación. Vi la secuencia de baile de Los caballeros las prefieren rubias un millón de veces con [el coreógrafo] Kenny Ortega, quien la reinterpretó brillantemente para la película. ‘Material Girl’ fue mi primera colaboración con la diseñadora de vestuario Marlene Stewart, quien reinterpretó brillantemente el vestido. Si tienes una visión muy específica en mente, trabaja con gente talentosa, ese es mi consejo».

10 – «CHERISH» (1989)

El fotógrafo Herb Ritts y Madonna entablaron una amistad al principio de la carrera de Madonna, cuando Ritts fotografió la glamorosa portada del álbum «True Blue» de 1986 y varias fotografías para «Rolling Stone», incluida la portada del número del 10 de septiembre de 1987. Pero lo que Madonna realmente quería que Ritts hiciera era dirigir. «Ella me preguntaba todo el tiempo y yo le decía que no tenía ni idea de imágenes en movimiento», le dijo Ritts al director de arte François Quintin en una entrevista de 1999. «Finalmente, practiqué con una pequeña cámara Super 8 cuando estaba trabajando en Hawái y volví y le dije que podía hacerlo. Dos semanas después, estaba filmando ‘Cherish’. La dirigí y también hice el trabajo de cámara. Fue estimulante». Madonna también se sintió muy animada por la sesión fotográfica en blanco y negro, llena de tritones: «La hice sumergirse en el océano helado. Fue una verdadera luchadora», dijo el difunto Ritts al «Toronto Star» en 1990. El video lúdico se convirtió en un elemento básico de MTV, una excursión ligera a la playa después de la polémica «Like A Prayer» y la impactante «Express Yourself». Ritts volvió a la playa cuando dirigió los videos de la alegre «Love Will Never Do (Without You)» de Janet Jackson y la melancólica «Wicked Game» de Chris Isaak.

9 – «LIKE A VIRGIN» (1984)

«En ese momento, Madonna ya estaba en la portada de la revista Rolling Stone», dijo el director creativo de Warner Bros., Jeff Ayeroff, en «I Want My MTV». «Así que fuimos a Venecia, como un grupo de locos. No sé cuánto gastamos, ¿150.000 dólares? ¿175.000 dólares? Pero fue mucho más de lo que habíamos gastado nunca en un vídeo». Para su segunda colaboración (después de «Borderline» de 1984), la directora Mary Lambert fotografió a la estrella del pop en góndolas por los canales venecianos (con Ayeroff diciéndole que se agachara cuando se acercara a los puentes). Un hombre con una máscara de león la acechaba como si fuera una presa, pero un león de verdad acabó robándole el protagonismo.

Mary Lambert, directora: «Esta fue la primera vez que trabajé con un gran felino, aunque he trabajado con ellos desde entonces. ¡Ni siquiera era un león amaestrado! El productor local hizo un trato con un tipo del circo. ¡Era un león de circo! No me enteré de esto hasta que Madonna, el director de fotografía y yo estábamos solos en una zona vallada con el animal y el entrenador estaba de pie en el perímetro con un rifle, «por si acaso»… En un momento dado, el león empezó a olfatear la entrepierna de Madonna y pensé que podría estar muerta».

8 – «VOGUE» (1990)

La tercera colaboración de Madonna con el entonces niño prodigio David Fincher es un caleidoscopio deslumbrante de iconografía clásica de estrellas de cine y una exhibición enérgica del baile que da título al disco y que había surgido en la escena de los clubes gays underground. Por supuesto, el «voguing» no es un baile común y corriente, ya que consiste en movimientos muy amanerados, gestos barrocos con las manos y poses marcadas: el espíritu de la pasarela llevado a extremos absurdos. Eso le da a la cámara de Fincher la oportunidad de moverse con elegancia entre estatuas, pinturas y humanos esculturales congelados, sacando a relucir la curiosa melancolía subyacente de una canción que, a primera vista, parece chicle puro. Observa la forma contagiosa en que se desarrolla el video: desde una quietud inquietante hasta movimientos vigorosos y un baile de locura total. Está estructurado como un baile de vogue en sí mismo. (Y, en serio, ¿alguien fotografió la espalda de Madonna mejor que David Fincher?)

Sorprendentemente, este icónico video fue preparado en un tiempo récord, ya que la canción no fue considerada originalmente como single y solo se lanzó al mercado tardíamente. «Lo montamos todo tan rápido como pudimos», recordó Fincher a «The Guardian». «Fue una de esas cosas en las que el director de fotografía, Pascal Lebegue, que es brillante, literalmente apareció del avión con su fotómetro y estaba semi-preiluminado y entró y dijo: ‘Esto, esto, esto, esto’, y filmamos el video durante unas 16 horas y terminamos, eso fue todo, ella se subió al avión y se fue de gira mundial».

Madonna había hecho rápidamente una audición a cientos de bailarines en Los Ángeles para el clip, reduciéndolos en cuestión de días e invitándolos a clubes para asegurarse de que pudieran dar lo mejor de sí. «Acababa de terminar la escuela de ballet y este era mi segundo video», dijo el bailarín Salim «Slam» Gauwloos. «Recuerdo que David me dijo: ‘Ponle esta chaqueta de esmoquin’. Así que me la puse, y me pusieron a hacer unos pasos y algunas poses, y me llevó como 15 minutos, y pensé: ‘Bueno, ¿eso es todo?’. Pensé: ‘Este no es un buen comienzo’. Pero luego, cuando salió el video de ‘Vogue’, pensé: ‘¡Ah, vale! ¡ Ahora lo entiendo!'» .

7 – «PAPA DON’T PREACH» (1986)

En «Papa Don’t Preach», Madonna trata el concepto del video musical más como un cortometraje que como un clip promocional, imbuyendo a su personaje: una adolescente que le revela un embarazo no planeado a su estricto padre (interpretado por Danny Aiello) con un tono maduro y comprensivo muy alejado de su imagen de símbolo sexual. Filmada durante tres días en Staten Island y Manhattan, el director James Foley dice que a pesar de la seriedad de la canción, el ambiente era «pura diversión». «Nadie se desanimaba por el mensaje o la importancia social de la misma», dice. «Simplemente nos gustaba hacerla sonar lo más fuerte posible».

James Foley, director: «Yo estaba un poco mimado porque con ella tenía absoluta libertad creativa y podía hacer lo que quisiera. Hablamos de que queríamos entrar en un ambiente de clase trabajadora, porque para entonces ya había hecho ‘Material Girl’ y ‘Like a Virgin’ y otras cosas que eran muy glamorosas y estilizadas. Ella quería hacer algo un poco más realista y dramático. Le dije: Sabes que un gran lugar para filmar es Staten Island en Nueva York. Ella me preguntó: ¿Por qué?. Le dije: Bueno, crecí allí, y si vuelvo y hago un video allí contigo, entonces seré el héroe conquistador y todos mis amigos del instituto podrán ver lo que he logrado. Resultó ser así…»

«Tomamos el guión literalmente de la letra de la canción, y recuerdo que dudé un momento en hacerlo porque la mayoría de los videos no son interpretaciones literales. Pero sentí que era algo que se relacionaba con su deseo de sumergirse en el mundo de la clase trabajadora. Tenía la idea de que debería haber un segmento del video donde ella fuera Madonna, no el personaje de la historia, y ahí es donde se corta a la parte en blanco y negro de ella bailando para el coro».

«Quería hacer una escena en el Ferry de Staten Island porque fue una parte muy importante de mi infancia. Tuvimos que alquilar el ferry para pasar la noche y terminamos temprano, con un par de horas de tiempo libre. El capitán dijo: ‘Bueno, es tuyo durante las próximas dos horas. ¿Quieres ir a algún lado?’. Así que ella, el equipo y yo recorrimos el puerto en coche hasta lugares que nunca había visto en mi vida. Fue un recuerdo mágico».

«Fue idea suya elegir a Danny Aiello para el papel de su padre. Era tan increíblemente sexy que todos los que estaban involucrados se sentían muy emocionados y felices. Cuando estábamos filmando en Staten Island, había miles de personas y paparazzi y todo eso. Todo tenía un aire de circo placentero y Danny se involucró en eso. Un par de semanas después de que se lanzara el video y fuera un gran éxito, grabó una canción de respuesta llamada ‘Papa Wants the Best for You’. Tiene una voz increíble y resonante, pero era una canción ridícula. Me llamó y quería que ella estuviera en su video y dijo: ‘Ella me debe esto’. Eso no llegó muy lejos».

«He hecho muchas películas y vídeos y es una de las cinco cosas que he hecho con las que me siento inequívocamente bien. Lo más importante que aprendí fue el valor de la libertad creativa, y que ella la utilizó de una manera muy inteligente. Es extremadamente centrada y madura y tenía una ética de trabajo. Fue una buena lección para mí: qué hacer con el poder creativo absoluto. Es respetuosa con el trabajo de las personas y se ve muy bien en el lugar que le corresponde. Siempre pensé que, cuando consiga el montaje final total de la película, recordaré cómo manejó esa libertad».

6 – «RAIN» (1993)

Los clips del director Mark Romanek para Lenny Kravitz y En Vogue eran de alto volumen y alta energía que llamaron la atención de Madonna, quien le pidió que se pusiera detrás de la cámara para esta exuberante canción erótica . «De hecho, la rechacé, porque pensé que la canción era realmente romántica y realmente no sabía qué hacer con algo romántico en ese momento de mi vida», dijo Romanek en su DVD «Director’s Label». Finalmente aceptó y decidió cambiar las cosas y llevar a Madonna al futuro. «Todo estaba mirando hacia atrás y dije: ‘Bueno, tal vez sería interesante hacer algo futurista con Madonna’. Su reacción instintiva fue: ‘Pero esta canción es un poco como Cumbres borrascosas: debería ser en blanco y negro, romántica. Y dije: Bueno, eso es un poco demasiado obvio». El clip resultante, con Madonna vestida con grandes auriculares y siendo atendida por maquilladores, tenía una sensación fría, gracias a su aspecto de alto contraste y su concepto metanarrativo. Elegir al director del clip dentro del clip fue todo un desafío: «Primero creo que queríamos tener a Jean-Luc Godard, y cuando trabajas con alguien como Madonna, esa es una posibilidad», recordó Romanek. Se puso en contacto con el pionero de la nouvelle vague francesa, así como con el director italiano Federico Fellini, pero ambos declinaron la oferta. El compositor japonés Ryuichi Sakamoto fue elegido, gracias a que es lo que Romanek llamó «el ícono japonés más icónico, famoso y atractivo».

5 – «LIKE A PRAYER» (1989)

«Like a Prayer», dijo Madonna al «New York Times» poco después de que saliera el video de esta canción con tintes gospel, «es la canción de una joven apasionada tan enamorada de Dios que es casi como si Él fuera la figura masculina de su vida». Pero gracias a las imágenes embriagadoras del clip dirigido por Mary Lambert, que incluía cruces en llamas, estigmas y el icono de un santo no solo hecho carne sino sucumbiendo a sus placeres, «Like a Prayer» terminó convirtiéndose en algo mucho más: el papel de la religión en la cultura popular, el racismo y la forma en que las grandes corporaciones reaccionan cuando se enfrentan a la controversia. «Creo que cuando juegas con estigmas es un área bastante peligrosa», bromeó el entonces editor musical de «Rolling Stone», David Wild, a «Reuters». El clip causó tal conmoción tras su lanzamiento que Pepsi canceló una campaña publicitaria de 5 millones de dólares con la canción, aunque con imágenes sustancialmente diferentes. Sin embargo, Madonna se mantuvo firme: «El arte debe ser polémico, y eso es todo lo que hay que hacer», dijo Madonna al «Times» en 1989, mientras los grupos fundamentalistas se enfurecía y la televisión italiana prohibía el clip. Esa filosofía ha animado el trabajo de la «Material Girl» desde sus primeros días, pero la manera en que el clip de «Like a Prayer» imbuyó ingeniosamente su efervescente canción con su visión objetiva, pero a la vez impactante, del mundo que la rodea lo convierte en uno de los videos más icónicos de la primera década de MTV.

Mary Lambert, directora: «Sabía que estábamos tocando algunos puntos sensibles, pero subestimé la influencia y la intolerancia de la religión fundamentalista y el racismo en este país y en el mundo. Siempre pienso que, si mi trabajo tiene éxito, va más allá de mis intenciones y en este caso definitivamente lo hizo. Lo más importante era obligar a la gente a reimaginar sus referencias visuales y realmente erradicar sus prejuicios. Utilizar cruces en llamas para hacer referencia al racismo y la religión. ¿Por qué no un Jesús negro? ¿Por qué no puedes imaginarte besándolo? Quería hablar sobre el éxtasis y mostrar la relación entre el éxtasis sexual y religioso. Creo que inconscientemente mucha gente lo entendió y se sintió cautivada o indignada por ello. Conscientemente, no creo que muchos de los espectadores hubieran hecho esta interpretación».

4 – «TAKE A BOW» (1994)

El director Michael Haussman recuerda esta historia de amor filmada en España: «Ella dijo: ‘Bueno, aquí está la canción: trata de una chica enamorada de una figura pública. Escribe algo, pero no lo hagas oscuro’. Así que, por supuesto, fui y escribí algo realmente oscuro». Madonna y el director se conocieron en el «Ritz» de París, pospusieron la discusión sobre su oscura idea hasta la cena y comenzaron a charlar un poco. «Ella dice: ‘Bueno, ¿qué has estado haciendo?’ Y yo le dije: ‘Bueno, me ha gustado mucho filmar corridas de toros y esas cosas’. Y vi un brillo en sus ojos y de repente me entusiasmé. Estoy bastante seguro de que toda la canción fue escrita [esa] noche». El video con tintes sepia mezcla tomas del torero de la vida real Emilio Muñoz con Madonna para un clip que es sensual, majestuoso y presenta imágenes apasionadas de la estrella del pop retorciéndose frente a un televisor. «Pensé que iba a ser [difícil de dirigir], pero luego resultó ser una de las cosas más sexys que he visto en mi vida», dice Haussman. «Simplemente tocaba la canción y se dejaba llevar».

Michael Haussman, director: «Intentar hacer ese vídeo se convirtió en algo épico porque era un tema tabú. Hubo varias ocasiones en las que se iba a cancelar porque PETA se involucró y dijo: ‘Tenemos entendido que vais a grabar una corrida de toros’. Y al principio lo hice. Iba a intentar grabar una corrida de toros en la que se mata al toro y todo eso, y esa era la idea de mantenerme fiel a ella. Y se hizo bastante evidente… no podemos montar una corrida de toros para un vídeo de Madonna, eso no va a quedar muy bien… Y, por supuesto, era un tema tan candente que tuvimos que hacer que la policía fuera a mi oficina en Londres a abrir nuestro correo porque muchos grupos de derechos de los animales envían cartas bomba a científicos y cosas así. El productor tenía una rosa pegada a su puerta que decía: ‘¡Hasta la vista, cariño!’. Todo tipo de cosas realmente aterradoras. Tuve que registrarme en el hotel con diferentes nombres, algo que nunca había tenido que hacer cuando estaba en España».

«El mundo de las corridas de toros no quería tener nada que ver con alguien que iba a venir y [tratar de] comercializarlas. Lo que ayudó fue que yo tenía una gran pasión por eso… sabía lo suficiente como para poder decir: ‘Escucha: quiero a Emilio Muñoz y puedo contarte sobre cada pelea que tuvo el año pasado, cada atuendo que usó y dónde peleó’. Fue un poco gracioso porque todos dijeron: ‘Bueno, nunca lo hará, Emilio Muñoz, ¿por qué no miras a estos otros tipos que buscan publicidad? ¡Y esos son los tipos que no querías!’ Así que eso fue todo un viaje en sí mismo: literalmente sentados en hoteles en Sevilla, esperando conocer a este tipo. Esperando durante cuatro días, y son solo sus hombres los que vienen a echar un vistazo y ver si es real y no fue un programa de televisión donde hacen bromas a la gente».

«Una cosa que tuvimos que prometer fue que nunca dañaríamos al toro de ninguna manera. Y eso se convirtió en un tema muy delicado porque un torero no puede realmente torear a un toro a menos que haya sido lastimado de alguna manera. Por lo general, le hacen un pico en el hombro y eso hace que baje la cabeza para que pueda usar la tela roja más pequeña llamada muleta. Entonces, si de repente, no pudimos picotearlo o no teníamos ningún rastro de sangre en el toro, ¿cómo se supone que usará esta tela roja? Ella tenía que volar en dos días y él tenía que venir al día siguiente; era justo el momento. Entonces le planteé el problema y realmente no dijo nada más que: «Está bien, déjame pensarlo». Y simplemente desapareció durante dos días. Nadie pudo comunicarse con él por teléfono. Ella se subió a un avión para venir. ¡Así que el drama fue simplemente fantástico! Así que finalmente llega y le dice a la prensa española: «Voy a torear este toro, no voy a descabezarlo ni a bandearlo. Será la primera vez que se haga y lo voy a hacer. Lo voy a hacer por mi amigo Michael».

«No creo que la comunidad taurina haya querido realmente que se supiera porque él era capaz de torear ese toro muy bien y era hermoso y el toro nunca resultó herido… en absoluto. Pero hay que entender que la razón por la que eso no puede suceder es que, desafortunadamente, las corridas de toros se tratan de la celebración por la muerte de un toro. Así que, en cierto modo, le quitó la razón por la que existe para los españoles. Y también, cuando miras las imágenes, es bastante sorprendente lo que hace. No solo está toreando, lo está haciendo hermosamente. Es hermoso. Todo estaba envuelto en secreto. No lo haría a menos que nadie lo viera. Era demasiado extraño que un torero toreara a un toro que no está escogido ni con bandeira».

3 – «OPEN YOUR HEART» (1986)

«En aquella época estábamos en un período en el que estábamos experimentando con algún tipo de libertad en relación con el cuerpo, la sexualidad y esas cosas. Así que el espectáculo erótico fue una idea que tuve», dice el director de «Open Your Heat», Jean-Baptiste Mondino. «Pero había algo dulce en ese niño que la esperaba afuera, algo muy ingenuo y dulce».

Enfundada en un corpiño negro y quitándose los guantes y la peluca, «Open Your Heart» fue el primer clip abiertamente atrevido de Madonna. Pero no fue una pieza sorprendente: una mezcla equilibrada de Fellini y Fosse, «Open Your Heart» fue hermosa, desde las pinturas de la artista art déco Tamara de Lempicka en el exterior del club, hasta el elenco de personajes coloridos y fríos. En un momento, en una brillante muestra de sinergia, Madonna se inclina hacia atrás e imita la ahora icónica foto de portada de Herb Ritts del álbum de «Open Your Heart», «True Blue». «Porque ella hace la imagen, ¿sabes?», dice Mondino. «Ella te da el material. Tienes que estar listo para agarrarlo».

Jean-Baptiste Mondino, director: «El decorado se construyó desde cero. Encontramos un lugar donde realmente podíamos construirlo. Simplemente construimos la parte delantera y la pequeña cabina donde estaba el anciano dentro. Supongo que era mi época de Hollywood, en la que estaba en un estado mental hollywoodense con mis grúas, el edificio… Éramos muy jóvenes [risas] y todo era posible, supongo. Me gusta lo falso que es. No lo había visto en mucho tiempo, pero cuando lo vi una vez más, dije: es muy ingenuo.. Está un poco mal hecho, lo cual me gusta, en comparación con hoy. No teníamos el mismo equipo, la gente es más hábil hoy, pero hay algo dulce en ello. Me encanta el final; como un final de Charlie Chaplin cuando corren uno detrás del otro. Ese pequeño momento es muy conmovedor».

«Lo bueno de este video es que fue el primero que hice con Madonna y le dije: ‘sabes que podría ser bueno si usaras una peluca negra’, porque ella era un poco rubia. Muy conocida por ser la rubia de pelo corto. Así que unos días antes de la filmación, tuvimos la reunión con el personal de peluquería y maquillaje y trabajaron en ella y la prepararon con el atuendo y la peluca y todo eso. Y llegué y todos estaban entusiasmados diciendo: ‘Oh, Dios mío, es tan hermosa’ y cosas así. Entonces ella se da vuelta y me mira con la peluca puesta y dice: ‘Está bien, Mondino, dime qué piensas’. Y cuando Madonna te pregunta algo, te pregunta algo, ¿sabes? No es solo una frase; ella realmente lo decía en serio. Entonces la miré y le dije: ‘Bueno, te ves muy bien, pero para ser honesta, te prefiero de rubia’. Ella me miró y ese día confió en mí porque sabía mejor que nadie que ella estaba mejor de rubia… Y creo que ese día, tal vez, fue cuando gané su confianza».

2 – «RAY OF LIGHT» (1998)

«Probablemente, hasta el día de hoy, es el rodaje más largo de un vídeo musical», recuerda el director de «Ray of Light», Jonas Åkerlund, que viajó a Nueva York, Los Ángeles y Las Vegas para rodar este pastiche de avance rápido. «Creo que rodamos 14 días más o menos, pero éramos el equipo más pequeño. Mi idea era meter al equipo en un coche. Encontramos un ángulo, lo montamos y estuvimos hablando tonterías durante media hora, esperando porque tardaba una eternidad en hacer estas tomas». Las tomas estáticas del clip con un torbellino de actividad tenían una sensación similar a la del favorito del cine independiente de 1982 Koyaanisqatsi (que no había visto) y aportaron una energía frenética a la adopción de la música house contemporánea por parte de Madonna. Åkerlund se convertiría en el único colaborador de la monumental carrera de Madonna que le valió a la estrella del pop un premio «VMA» al «Vídeo del Año».

Jonas Åkerlund, director: «Hicimos algunas pruebas en Estocolmo con una cámara de película para poder mostrarle la técnica de la que estaba hablando, y la prueba resultó tan buena que terminó siendo el video final. Hay muchas tomas de Estocolmo. Por supuesto, no filmamos en formato digital, sino con una gran cámara de 35 mm. Teníamos un diagrama que llevaba en el bolsillo durante toda la producción, en el que se indicaba cuántos fotogramas por minuto o por segundo necesitábamos filmar para obtener cierta cantidad de metraje. Digamos que filmamos un fotograma cada 10 segundos aproximadamente. Entonces, hay que hacer eso durante 30 minutos para obtener unos cinco segundos. Cosas así».

«Recuerdo que montamos la cámara en un autobús mientras conducíamos por Nueva York. Fue un gran esfuerzo para una película de 20 fotogramas. Todo fue un gran logro teniendo en cuenta todo lo que terminó en el vídeo, porque todo sucedió muy rápido. Cada toma fue algo muy importante. Creo que también terminamos usando todo lo que filmamos. La canción era larga; recuerdo que durante la edición pensé que la canción era demasiado larga porque usé todo el metraje. En ese momento, realmente no pensé en ganar los VMAs. Estaba allí con mis amigos suecos, simplemente bebiendo cerveza y pensé que era genial que la cerveza fuera gratis. Pero, al mirar atrás, fue un momento que cambió mi vida».

1 – «EXPRESS YOURSELF» (1989)

La primera de las colaboraciones de Madonna con David Fincher es también la mejor, y una de las más costosas (con 5 millones de dólares, fue el video más caro jamás realizado en ese momento). Fuertemente influenciada por «Metropolis» de Fritz Lang, con su paisaje urbano de ciencia ficción y escenas surrealistas de fábricas con hombres luchando con máquinas gigantes, «Express Yourself» es una fusión perfecta de los impulsos expresionistas de Fincher con el encanto cambiante de Madonna. Aquí, la vemos yuxtapuesta a varias versiones de sí misma, cada una representando un tipo diferente de seducción: una figura con traje de pantalón, similar a Marlene Dietrich, con un monóculo; una coqueta que se balancea con un corsé; una esposa sumisa encadenada desnuda a una cama. Mientras tanto, la cámara de Fincher se desplaza, se extiende y recorre los impresionantes decorados y a través de campos de luz apagada, sombras expresivas y gruesas capas de vapor (el debut cinematográfico del director, «Alien 3», de hecho reutilizaría parte de esta estética).

«En esta película tuve la mayor participación», dijo Madonna. «Supervisé todo: la construcción de los decorados, el vestuario de todos, tuve reuniones con los maquilladores, los peluqueros y el director de fotografía, todo el mundo. El casting, encontrar al gato adecuado… todos los aspectos. Es como hacer una pequeña película. Básicamente nos sentamos y lanzamos todas las ideas que pudimos concebir y todas las cosas que queríamos. Todas las imágenes que queríamos… y yo tenía algunas ideas para los decorados, por ejemplo, el gato y la idea de Metrópolis . Definitivamente quería tener esa influencia, esa apariencia en todos los hombres, los trabajadores, trabajando diligentemente, metódicamente».

Tanto «Metropolis» como «Express Yourself» terminan con el mismo epígrafe: “Sin el corazón no puede haber entendimiento entre la mano y la mente”. Pero lo que para Lang era un alegato a favor de la reconciliación entre trabajadores y patrones se convierte, para Madonna, en un credo creativo.

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